Conclusión

El trabajo realizado a partir de los nuevos movimientos artísticos en el transcurso de los siglos XIX y XX, en mi opinión, fue muy útil, ya que me informé y aprendí sobre el arte de aquella época, la cual no desconocía por completo pero solo tenía una simple base de conocimientos. 

Me pareció interesante la época en que surgieron estos movimientos, ya que en su contexto sucedieron acontecimientos muy reconocidos e importantes mundialmente, tales como guerras, revoluciones, innovaciones, globalización… 
Si bien hubo vanguardias que me gustaron más y me parecieron más interesantes que otras, todas pudieron llamar mi atención en algún aspecto de ellas. La que más lo logró fue el Op Art; me gustan los efectos que producen sus obras al verlas, como por ejemplo la profundidad y esa sensación de movimiento aunque no sea real, y los colores vivos y llamativos que utilizan. También me gusta que el espectador tenga que ser activo, y aun me da intriga y curiosidad que a través de la vista se produzcan dichos efectos, me parece una caracteristica "mágica" y es lo que la diferencia de las demás vanguardias.

Neoexpresionismo

¿Cuándo? 

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. 

En los años 1970 el bloque comunista empieza a dar señales de desintegración y la potencia soviética se distancia de la China comunista, lo que trae consigo el debilitamiento de la influencia comunista en el mundo; en Europa a pesar de la crisis energética, los países occidentales de este continente logran igualar el nivel de vida de Estados Unidos de América; En 1979 los fundamentalistas musulmanes se retiran de la influencia occidental y se encierran en el más radical de los estados basados en la Sharia; el inicio del 1980 está marcado por el aumento de las tensiones de la Guerra Fría. 

¿Qué? 

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico. Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda. 

Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época. 

¿Cómo? 

El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. 

Se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición. 

§ Retorna a las imágenes de tipo expresionista; gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores; yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes, figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo; representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra; ejecución de trazos amplios; preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco) ; preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.); temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana. 

¿Quién? 

Carlos Maturana Piña (Bororo) es un artista perteneciente al Neoexpresionismo chileno, inserto en la década de los 80. En 1972 ingresó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, lugar en el que impartirá clases de dibujo y pintura entre 1975 y 1981. Entre 1983 y 1985 trabajó como profesor de dibujo y pintura en el Instituto de Arte y Cultura del Colegio Médico de Chile. En 1983 y 1984 se desempeñó como profesor del Taller de Pintura La Brocha en la Plaza del Mulato Gil de Castro. La obra de Carlos Maturana deviene esencialmente ligada al cuadro como soporte tradicional, a diferencia de la producción plástica de los años 70. Característica de su propuesta artística es una expresividad exuberante y visceral, en donde el chorreo pictórico desborda cromáticamente, mientras que la mancha y las gestualidad del acto de pintar adquieren capital importancia. En Cambio de aceite del año 2004 presenta una solución plástica muy ágil y lúdica, de un fuerte informalismo. 

"El Farol": Óleo sobre tela del pintor chileno Carlos Maturana (Bororo). En su pintura vemos una exaltación de la sensorialidad es decir el conocimiento primario de las formas por sobre el reconocimiento intelectual. En sus cuadros se enfatiza la gestualidad expresiva de las pinceladas y el carácter lúdico del arte. 

Carlos Maturana realiza una obra que a medida del tiempo crece en formato, aumentan los tipos de perspectiva a la vez que se complejizan las temáticas. Las referencias íntimas se vuelven cada vez más importantes ya que traducidas en color y visualidad no necesitan la referencia real de la vida del artista. La comunicación que Bororo establece con el espectador es fruto de la sensorialidad, de hacer homólogas experiencias mediante pequeños recursos visuales.

Bororo impregna en su obra sus emociones frente a la actualidad noticiosa, los sucesos políticos, los desastres naturales, avances científicos.....

Emociones tales como el asombro, el encanto, el desencanto, la angustia y la celebración. Con ingenio y creatividad el artista alterna la oposición entre la felicidad y la tristeza, manteniendo la gráfica que caracteriza su obra bajo la fuerte influencia del Comic.

Fuentes:

http://beta.educarchile.cl/ech/pro/app/detalle?id=60150 

http://www.portaldearte.cl/obras/farol.htm 

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo 

http://www.ecured.cu/index.php/Neoexpresionismo

Hiperrealismo

¿Cuándo? 

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realistasurgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.

Este comienzo de la década es representativo de un período que estaría caracterizado por las confrontaciones internacionales y las protestas de una ciudadanía cada vez más crítica con las acciones de sus gobernantes y la situación que se dibujaba en el mundo tras la recuperación económica de la posguerra: movimientos de protesta contra la Guerra de Vietnam; contra la invasión de los tropas soviéticas en Checoslovaquía, en la Primavera de Praga; en Mayo del 68 contra el orden establecido, durante las revueltas estudiantiles y sindicales que se inician en Francia y se extienden rapidamente por otros países.

¿Qué? 

El hiperrealismo un movimiento pictórico cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica. 

Busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.

Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico. 

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. 

¿Cómo? 

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro. 

En algunos casos se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. 

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías. 

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. 

¿Quién? 

Antonio Lopez Garcia nació meses antes del inicio de la Guerra Civil. Es el mayor de cuatro hermanos (Josefina, Diógenes y Carmen), sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso, su casa estaba situada en la Calle Domecq. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, coincidiendo allí con diversos artistas, como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela Madrileña. Permaneció en la academia entre1950 y 1955.

En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez.

Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales (1957,1961) en Madrid mientras trabaja tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer. 

"Lavabo y espejo": se presenta un lavabo y una repisa con un espejo situados sobre él. Como el cuarto es estrecho, se tiene que aproximar mucho el motivo, lo que provoca la distorsión visual de las líneas verticales que dibujan y delimitan los azulejos. En vez de recogerla crea una zona intermedia, una especie de franja neutra, en la que deja visibles las líneas de los primeros proyectos, como, casi como huellas del proceso. El cuadro adquiere un punto de misterio añadido. 

Óleo sobre tabla, 98 x83,5 cm. 

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1960

http://www.artespain.com/antonio-lopez/pinturas/pinturas/lavabo_y_espejo_1967.html

http://pinturasepocas.blogspot.com.ar/2011/07/lavabo-y-espejo-de-antonio-lopez.html

http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.htm

Op Art

¿Cuándo? 

El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año de 1958. Paralelamente, en Europa, se desarrollaba un movimiento llamado nueva tendencia , que tenía bastantes aspectos similares al movimiento norteamericano. 

El término Op-Art se acuñó por un artículo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto el término se adoptó como el nombre oficial de este movimiento. 

¿Qué? 

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. 

¿Cómo? 

Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.

Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación. 

Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o dicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. 

En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. 

El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

¿Quién? 

Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.

La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor. 

"Op Art A770W": En la obra gráfica presentada  encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris. 

Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz. 

Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.

Fuentes:

http://www.taringa.net/posts/arte/1202607/Op-Art-_Arte-optico-muy-bueno_.html

http://my.opera.com/enlacesatspace/blog/2007/03/17/antonio-lizarazu-balue

http://my.opera.com/arte_optico/blog/

http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art

Pop Art

¿Cuándo? 

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura. 

¿Qué? 

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. 

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. 

¿Cómo? 

El pop art utiliza un lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo; extrae temáticas de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo; los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura; no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles; representa el carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitivo; combina la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neodadaísmo);prefiere las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres, la sexualidad y el erotismo, los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo; utiliza formas y figuras a escala natural y ampliada; iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático, comprende colores puros, brillantes y fluorescentes.

¿Quién? 

Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de1987) fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional. 

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración sobre los «15 minutos de fama» que cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue un personaje polémico durante su vida y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales. Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra. 

La lata de sopa Campbell es una de las imágenes más reconocidas por cualquier americano. El envase es presentado frontalmente para que sea bien visible el logotipo de su empresa. La obra sugiere una uniformidad mecánica que se repite en los miles de casas que tienen un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo. La apariencia similar al dibujo de reproducciones publicitarias, incluso de apariencias fotográficas no molestan al pintor, que pretende provocar e incluso ridiculizar la sociedad de consumo americana. 

Fuentes:

http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/campbell.html 

http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol 

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop 

http://alittleofpopart.blogspot.com.ar/2011/11/caracteristicas-principales-y-tecnicas.html

Surrealismo

¿Cuándo? 

El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial, cuando André Breton escribe el “Manifiesto surrealista” en 1924.Según Breton la posguerra exigía un arte nuevo, no de la cruel realidad, sino de los sueños y fantasías de uno. Breton se inspiro en un sicoanalista llamado Freud, quien descubrió que la libertad pura del ser humano se encuentra en los sueños, por que están por ejemplo la agresividad y el placer. 

Los planteamientos del movimiento surrealista tenían una raíz política y un sector del surrealismo se afilió al Partido Comunista Francés. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse.

A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos países.

Finalizada la contienda mundial, en 1946, el surrealismo como movimiento unitario ya prácticamente había desaparecido 

¿Qué? 

Movimiento artístico que intenta buscar y representar una creación y realidad subconsciente,onírica,imaginaria e irracional más allá de la realidad física. 

¿Cómo? 

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al ensamblaje de objetos incongruentes. El frottage fue el dibujo compuesto por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. 

Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. 

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. 

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización. 

¿Quién? 

Paul Delvaux (23 de septiembre de 1897 - 20 de julio de 1994) fue un pintor belganeoimpresionista y expresionista en sus comienzos, se orientó posteriormente, influenciado por René Magritte y E. L. T. Mesens, hacia un surrealismo clásico: su pintura se caracteriza por desnudos femeninos en ambientes oníricos y desdibujados, cargados de un erotismo latente y figuras idealizadas.

Estudió pintura y arquitectura en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde siguió los cursos de Constand Montald. Toda su obra resultó influída por lecturas, comenzando por sus primeros dibujos con escenas mitológicas. Estudió en la Academia real de Bellas Artes de Bruselas, aunque en el departamento de arquitectura debido a que sus padres desaprobaban su deseo de ser pintor. A pesar de ello, consiguió su objetivo, acudiendo a clases de pintura de Constant Montald y Jean Deville. Sus obras de este período eran sobre todo paisajes naturalistas. Acabó unos ochenta cuadros entre 1920 y 1925, siendo este último año el de su primera exposición individual. Sus primeras obras estuvieron influenciadas por el impresionismo y por el expresionismo alemán que conoció a través de Gustave de Smet. 

"El Congreso": Fue realizada en 1941. En las obras de Delvaux a menudo nos encontramos con cuerpos femeninos desnudos, como manifiesto explícito del deseo.

Fuentes: 

http://html.rincondelvago.com/surrealismo_8.html 

http://www.wordreference.com/definicion/surrealismo 

https://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo 

http://www.kalipedia.com/arte/tema/edad-contemporanea/fotos-paul-delvaux-i.html?x1=20070718klparthis_640.Ies&x=20070718klparthis_149.Kes 

http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

Dadaísmo

¿Cuándo? 

El dadaísmo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y comenzar otra nueva. 

El dadaísmo obtuvo su nombre al azar. Empezó entre la década de 1940 y 1950. Estos pintores utilizan figuras amorfas. Además, usan mucho el simbolismo. Estas obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor. 

Nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial, y después de la conflagración se trasladó a París. No era tanto un movimiento artístico como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, y frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró respetable. 

¿Qué? 

El dadaísmo fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde lapoesía a la escultura pasando por la pintura o la música. 

Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido. 

¿Cómo? 

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo que este considerara los valores estéticos establecidos. 

Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. Los dadá profesaban todas las artes, pero no se encasillaban en ninguna. 

Un ejemplo de artista dadaísta fue el pintor y escritor alemán Kurt Schwitters que se destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes- un secador de botellas y un urinario - a los que denominó ready - mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad. 

¿Quién? 

Kurt Schwitters pintor alemán , nacido en Hannover el 20 de junio de 1887 y muerto en Inglaterra el 8 de enero de 1948. Excluido del movimiento Dadá Berlin, reacciona fundando Dadá Hannover. Este movimiento se fundó sobre el apoliticismo ( en las antípodas de las concepciones del grupo Dadá en Berlín , que se caracterizaba por estar comprometido políticamente), lo fantástico y el constructivismo. Sus principales pilares eran la revista Merz y el arte del mismo nombre.

La actividad artística estaba fundada sobre el collage: sobre sus telas se encontraban boletos de ómnibus, pedazos de afiches o de periódicos, lanas, botones, telas, etc.

El nombre Merz alude a un fragmento de papel donde estaba escrito la palabra alemana Kommerz, de Kommerz Bank. 

"El Cuadro Antiguo": Fue realizado en 1946. Schwitters realiza todo tipo de collages para los que utiliza cualquier elemento cotidiano, desde un periódico a una tira de tela.Es una coleccion particular. 

Fuentes: 

http://html.rincondelvago.com/dadaismo.html 

http://arquiarchivo.tripod.com/dadaismo.htm 

http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo

Arte Abstracto

“Structure Joyeuse” de Vasili Kandinski o Wassily Kandinsky.

Futurismo

“Tumulto en galería” de Umberto Boccioni.

Cubismo

¿Cuándo? 

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. 

El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales elautomóvil ocupa un lugar destacado; en 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó alImperio del Japón con el imperio de los zaresde Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial; en los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. 

¿Qué? 

Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. Este movimiento viene a representar, frente a otros movimientos de la época, el equilibrio y el orden con un lenguaje propio e innovador. 

Se manifestó sobre todo en la pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. 

¿Cómo? 

En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple». La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto. 

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. 

Utiliza tonos apagados como los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. 

El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. 

¿Quién? 

José Victoriano González-Pérez fue conocido como uno de los maestros del cubismo. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887, hijo de padre merchante, familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media. 

Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid. 

En 1906 para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal en el Bateau-Lavoir de Montmartre, durante alrededor de diez años.

Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari. 

Sus primeros intentos como pintor cubista son de 1910 aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos.

Juan Gris: "Guitarra y mandolina", 1919, Galerie Beyeler, Basilea. 

Aún fuera de la técnica de los "collages", el pintor decidió plantear el sistema de diferentes planos visuales creados por la ruptura de formas. Evidentemente, la perspectiva ya no entra en juego y solo los espacios y los colores crean los elementos de unión entre sí. No se han de representar de manera académica ni realista los objetos que componen la obra y apreciamos, de forma fragmentada, como sería aquella guitarra sobre una mesa, con partituras y copas incluidas. Una suerte de naturaleza muerta y pintura descriptiva que rompía con los cánones decimonónicos. 

Fuentes: 

https://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo 
http://www.ciber-arte.com/movimientos/cubismo.htm 
http://www.buenastareas.com/ensayos/Acontecimientos-Mas-Importantes-En-Europa-De/1410337.html
http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1910

Fauvismo

¿Cuándo? 

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. 

En 1904, Rusia, a su vez, los fracasos militares en Asia comenzarán a precipitar revueltas populares alentadas por los bolcheviques influidos por Lenin desde Italia; en 1905, en Rusia se producen graves revueltas comunistas alentadas por la derrota en Asia ante Japón, se constituyen los soviets, la derrota rusa en la Guerra Ruso-japonesa provocó el estallido de la Revolución de 1905; 1906, los representantes de España, Alemania, Francia e Inglaterra firman el Acta de Algeciras sobre Marruecos, por la que España adquiere obligaciones para ejercer un protectorado en la zona; 1908, en Lisboa (Portugal) mueren en un atentado el rey Carlos I y el príncipe heredero, Luis Felipe, se produce la revolución de los Jóvenes Turcos. 

¿Qué? 

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. 

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color. 

¿Cómo? 

Se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. Los temas que pintaban eran de gran variedad: algunos pintaron el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir. 

La paleta de colores de los foves se destaca por el empleo de un cromatismo antinatural, buscan la fuerza expresiva del color, colocando colores diferentes de los reales. El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática. 

La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas. 

¿Quién? 

Maurice de Vlaminck (París, 4 de abril de 1876 - Eure-et-Loir, 11 de octubre de1958) fue un pintor fauvista francés. 

Vlaminck proviene de una familia de músicos bohemios afincados en París. 

En un primer momento Vlaminck no tenía intención de dedicarse a la pintura y su verdadera vocación era ser ciclista de profesión, que combinaba con dar clases de violín o escribir novelas eróticas para ganarse la vida. Debido a una enfermedad abandona el ciclismo y tras entrar en el ejército y conocer a André Derain, se convence de que quizá su futuro esté en la pintura. 

Con anterioridad, Vlaminck siempre destacó por ser un pintor autodidacta, alejado de las academias que pintaba aquello que veía suceder alrededor suyo, bien fuera un incendio o el paso del Sena cerca de su casa. 

Su amistad con Derain le llevará a conocer y acercarse a la obra de Van Gogh que le influirá en el colorido y la estética de sus obras. 

En 1905, se presentará en el Salón de Otoño de París donde recibirán el nombre de Los Salvajes (Les Fauves) por su exposición. 

También representará en esta etapa flores que cambian respecto a su etapa anterior, los colores son mucho más fríos y oscuros aunque la estructura es similar, basada en flores realizadas como manchas en la pintura. 

En 1911 viajará a Londres donde capta la atmósfera de la ciudad pintando ríos y puentes. Ya no habrá cambios sustanciales en su pintura, aunque sí en sus cielos que pasan a ser teatrales y tempestuosos.

"Restaurante de la Machine a Bougival" 

Aquí se trata del pueblo de Bougival y en especial el  estaurante "La Machine" que eligió. Para pintar los edificios, Vlaminck se sitúa levemente más allá del camino, justo antes de la curva de la carretera. Pese a reanudar entonces con un modelo de composición preciada por los impresionistas, se aleja no obstante de él, con un enfoque mucho más cercano. El color y la pincelada, utilizados por el pintor también contribuyen a la construcción tan singular. Encontramos un toque dinámico que construye la forma y los empastes son valorados por el maestro holandés. La pincelada se modifica en función del efecto deseado: más bien redonda, en los campos coloreados del primer plano, se alarga en el árbol, para volverse dúctil en la arquitectura. 

Fuentes: 

http://www.arteespana.com/fauvismo.htm 

http://fauvismosigloxx.wordpress.com/ 

https://es.wikipedia.org/wiki/Fovismo#Contexto